Crítica: «Jovánschina» en Salzburgo

Por Luc Roger Crítica: «Jovánschina» Salzburgo

El Festival de Pascua de Salzburgo 2025 ha presentado Jovánschina  (título original en ruso, Ховáнщина; conocida también por su título en inglés Khovanshchina), la obra maestra inacabada de Modest Mussorgski, en una versión revisitada que pretende presentar la ópera en su totalidad, al tiempo que intenta responder a lo que Mussorgski aparentemente quería. La nueva producción ha sido confiada al director y actor británico Simon McBurney, que ha trabajado en sinergia con su hermano, el compositor Gerard McBurney, y el director de orquesta Esa-Pekka Salonen. La versión del Festival utiliza orquestaciones de Dmitri Shostakóvich e Igor Stravinski, completadas por un puente entre estas dos partes compuesto por Gerard McBurney. Para esta empresa, el festival trabajó en coproducción con el MET de Nueva York, que probablemente representará la ópera en 2029.

Fascinado por la historia de su patria, Modest Mussorgski inició el proyecto en 1872, cuando aún trabajaba en la ópera Boris Godunov. El compositor había llevado a cabo una investigación casi obsesiva sobre una parte oscura de la historia rusa, el levantamiento de los regimientos Streltsí en el siglo XVII. Los acontecimientos, llenos de conspiración y violencia despiadada, guardan un asombroso parecido con los sucesos de la Rusia actual. Esa-Pekka Salonen cree que, con algunos cambios en nombres y detalles, la obra maestra inacabada de Modest Mussorgsky podría ser una historia de nuestro tiempo: los planes golpistas de un ejército privado implosionan y se desvanecen en humo, se intenta instrumentalizar la religión para promover aspiraciones políticas, reina la desinformación, la gente ya no sabe qué creer y acaba desconfiando de casi todo el mundo. Los rebeldes se enfrentaban a duras penas con el régimen, pero de repente el zar Pedro el Grande, que acababa de llegar al poder, indultó a los rebeldes. Crítica: «Jovánschina» Salzburgo

La historia de Jovánschina es fascinante y compleja. Fue la última ópera deMussorgski, que dejó inacabada a su muerte en marzo de 1881. Sólo dejó bocetos fragmentarios y ninguna partitura de piano para las dos últimas escenas. La primera versión íntegra de la ópera fue realizada en 1882 por Nikolái Rimski-Kórsakov, amigo de Mussorgski, quien suplió la falta de un final añadiendo uno de su propia composición. En 1913, Ígor Stravinski añadió un nuevo final para Sergéi Diághilev y las representaciones parisinas organizadas en el marco de los Ballets Rusos. Por último, en 1958, Dmitri Shostakóvich reelaboró toda la orquestación a partir de una edición de los bocetos de Mussorgski de 1931 realizada por el musicólogo Pavel Lamm y el compositor Borís Asafiev, añadiendo su propio final. Desde entonces, la versión de Shostakóvich se ha convertido en un fijo en los teatros de ópera de todo el mundo.

La producción de Salzburgo presenta una versión del final de la ópera que intenta acercarse lo más posible a los bocetos manuscritos de Mussorgski que se conservan, antes de pasar al final de Stravinski de principios del siglo XX. El trabajo sobre estos bocetos fue dirigido por el compositor Gerard McBurney, especialista en Rusia, que prestó especial atención a una única página muy reveladora de la escritura de Mussorgski, descubierta varias décadas después de la finalización de la versión de Shostakóvich y conservada ahora en el Museo de la Música de Moscú. «Vi» , comenta Gerard McBurney, «que esta fragmentación de la música conservada nos permite modular una experiencia fascinante, desde la maravillosa versión de Shostakóvich, pasando por una especie de páramo en el que sólo tenemos los esbozos fragmentarios de Mussorgski, hasta la hermosa redención de la conclusión de Stravinski. Queríamos asegurarnos de que el público oyera cada nota de Mussorgski». El artista sonoro finlandés Tuomas Norvio también ha contribuido a la nueva versión creando un paisaje sonoro electrónico ambiental para entrelazar los fragmentos: en particular, crea la sombría atmósfera de la subida del telón, introduce campanadas y, al final de la representación, el susurro del bosque y el canto de los pájaros.

El auditorio queda sumido en la oscuridad, con sonidos estruendosos procedentes de los altavoces. Una mujer camina hacia el gran telón metálico de cobre dorado. El telón se levanta para dar paso a otro, nada menos que el histórico telón rojo y dorado del Bolshói, con sus águilas bicéfalas coronadas y, por todas partes, el bordado que forma el nombre del país, Rusia. Este segundo telón no es en realidad más que una proyección de vídeo que pronto dará paso a un tercer telón, idéntico al segundo, que a su vez se eleva, lamiendo el escenario, con el suelo sobre el que yacen cadáveres humanos levantándose en ángulo. Tras esta introducción, los decorados y el vestuario aportan pocas referencias históricas. Tabletas o teléfonos móviles, fotos de iconos blandidas por los fieles, podríamos estar en la Rusia contemporánea, o en cualquier país totalitario. La orquesta inicia un preludio deslumbrante que evoca un amanecer sobre el río Moscova, pero este romanticismo bucólico se olvida rápidamente cuando vemos el suelo sembrado de cadáveres de la masacre del día anterior. El sol que se eleva a través de la bruma matinal sobre el río es un sol trágico teñido de sangre.

La escenógrafa Rebecca Ringst ha reducido la anchura del escenario instalando en su centro una gran caja gris de paredes metálicas, donde se desarrolla la mayor parte de las escenas. El suelo y las paredes son móviles y forman diversos ensamblajes que sirven sobre todo para poner de relieve a los personajes y su psique, sin referencias espacio-temporales precisas, aparte de algunos guiños a la actualidad de los últimos años: la ambición MAGA transpuesta a Rusia con un «Make Russia Great Again», uno de los Streltsy está vestido con el traje que lleva el activista de extrema derecha estadounidense conocido como QAnon Shaman, al final de la ópera el Papa Dossifeï se despoja de su torso y vemos en su espalda un gran tatuaje que representa la Cruz Ortodoxa. Pero se trata de meros detalles comparados con la idea central de la puesta en escena, que tiende a subrayar la codicia de los dirigentes en la lucha por el poder y la ignorancia de las masas, fácilmente manipulables. La partitura de Mussorgski está fuertemente enraizada en el folclore ruso, pero el color local que transmite la música está ausente del vestuario y los decorados. «El pasado en el presente: ¡ésa es mi tarea! » Las palabras de Mussorgski, que en 1872 trabajaba en el libreto y la partitura de Khovanchtchina, informaron sin duda las intenciones de la puesta en escena de Simon McBurney.  El director y la escenógrafa se propusieron levantar velo tras velo hasta que la verdad saliera a la luz. Y la verdad no suele ser agradable a la vista: «Arte y nada más que arte, tenemos arte para no morir de verdad», escribió Nietzsche, quien, como contemporáneo de Mussorgski, volvió a menudo sobre el tema.

El libreto se basa en la oscura historia de la toma conjunta del poder por Pedro, el hijo del zar Alexis I, futuro Pedro el Grande, y su hermano Iván V. Condensa en un solo episodio las tres revueltas de los Streltsí, que querían hacerse con el poder, y la inmolación de los Viejos Creyentes durante la tercera revuelta. Marfa es el único personaje principal no histórico. Esta maravillosa figura trágica pertenece inicialmente al grupo de los Viejos Creyentes, pero evoluciona entre todas las facciones y se distingue de ellas por su propia identidad, convirtiéndose rápidamente en la protagonista de la acción.

La dirección corre a cargo de Esa-Pekka Salonen, cuya fascinación por el repertorio ruso se extiende a lo largo de toda su carrera. En 2011, ya había trabajado con Gerard McBurney en el estreno del fragmento operístico de Dmitri ShostakóvichOrango, perdido hace mucho tiempo. La Orquesta Sinfónica de la Radio Finlandesa responde con flexibilidad a la batuta precisa, técnicamente bien informada y elegante del director finlandés. El director y la orquesta llevan trabajando juntos más de cuatro décadas: Esa-Pekka Salonen se incorporó a la orquesta como trompa a los 16 años.  Juntos afrontaron el reto de transmitir la ambivalencia que recorre toda la pieza, en la que los opuestos se dan simultáneamente desde el preludio, que evoca la belleza del sol saliendo sobre el río y el horror de un suelo bañado en sangre. En otras partes, las notas más agresivas que reflejan la violencia del drama se mezclan con la dulzura de las canciones populares.

La mezzosoprano rusa Nadezhda Karyazina ha obtenido una brillante victoria en Salzburgo, donde debutó con un aplauso unánime y fue galardonada con el Premio Herbert von Karajan 2025, premio que ganó en concierto con el director Maxim Emelyanychev, que este año dirigió el oratorio Elías de Mendelssohn en el Festival. Nadezhda Karyazina destaca tanto por su interpretación como por su soberano canto. Pinta el desgarrador retrato de Marfa con un ardor que la hace quemar el escenario. Todo es natural en su interpretación, que es un vibrante homenaje a la compositora. Es una obra de una belleza trágica asombrosa. Nadezhda Karyazina aporta un patetismo conmovedor a la escena final, que combina el suicidio colectivo de los Viejos Creyentes que se prenden fuego con la agonía del príncipe Andrei Khowanski (excelente Thomas Atkins) que muere en brazos de Marfa, en una actitud que recuerda ciertas Pietàs, realzada por la admirable iluminación de Tom Visser. Simon McBurney ofrece un final original: sólo vemos el incendio a través de las llamas de los vídeos proyectados entre bastidores, mientras masas de cenizas caen al escenario, previamente cubierto con una alfombra de plástico negro.

Dos formidables bajos asumen los papeles de los líderes insurrectos: el ucraniano Vitalij Kowaljow en el papel del boyardo Ivan Khovansky, líder de los Streltsy, y el estonio Ain Anger en el del ferviente Viejo Creyente Dosifey. Ambos tienen la potencia vocal necesaria para llenar el Gran Palacio de los Festivales, sobre todo teniendo en cuenta que la escenografía deRingst no tenía un techo que pudiera haber servido de megáfono. El bajo-barítono canadiense Daniel Okulitch debutó con gran éxito en Salzburgo prestando su voz al diplomático ruso Shaklovity, uno de los principales consejeros de la regente Sophia Alekseyevna. Wolfgang Ablinger-Sperrhacke da un Escribano convincente con su tenor de carácter de fino metal. Las grandes escenas corales están brillantemente llevadas a cabo por el Coro Filarmónico Eslovaco y el Coro Bach de Salzburgo, cuyos impresionantes movimientos en grupo sobre el escenario fueron coreografiados con consumada habilidad por Simon McBurney.

Los hermanos McBurney y el director de orquesta Esa-Pekka Salonen han realizado un excelente trabajo al completar el inacabado mosaico de Jovaánschina. Simon McBurney ofreció una lectura inteligible de la ópera, dándole una dimensión universal. El público, entusiasmado, aplaudió toda la producción y dedicó una doble ovación a la inolvidable Marfa de Nadezhda Karyazina y a la inteligente dirección de Esa-Pekka Salonen.

Salzburgo, 21 de abril de 2025.  OW

Producción
Dirección musical – Esa Pekka Salonen
Dirección de escena y coreografía – Simon McBurney
Escenografía: Rebecca Ringst.  Vestuario: Christina Cunningham
Iluminación: Tom Visser.   Diseño de vídeo: Will Duke
Codirección y movimiento: Leah Hausman
Diseño de sonido: Tuomas Norvio
Dramaturgia y asesoramiento:  Gerard McBurney, Hannah Whitley

Príncipe Ivan Khovansky: Vitalij Kowaljow. Príncipe Andrei Khovansky: Thomas Atkins. Príncipe Vasily Golitsin:  Matthew White. Shaklovity: Daniel Okulitch. Dosifey – Ain Anger. Marfa: Nadezhda Karyazina. Escriba: Wolfgang Ablinger-Sperrhacke. Emma: Natalia Tanasii. Varsonofyev: Rupert Grössinger. Susanna: Allison Cook. Kuzka: Theo Lebow. Streshnev: Daniel Fussek

Orquestas y coros Orquesta Sinfónica de la Radio Finlandesa
Coro Filarmónico Eslovaco. Preparación: Jan Rozehnal
Bachchor Salzburg. Preparación: Michael Schneider
Coro Infantil del Festival de Salzburgo  Preparación: Wolfgang Götz y Regina Sgier.