Donald Palumbo es el director del coro del Metropolitan Opera. Conoce las voces y sabe cómo enseñar a los cantantes a que las protejan.
El maestro Palumbo dice que todos los cantantes tienen que cuidar sus voces durante los ensayos de cada día. El objetivo es asegurar que cada cantante se encuentre en el mejor estado de «frescura y solidez vocal» para la función de la noche.
«Es importante que no llegue a comprometerse ni la fuerza ni el brillo vocal cuando llega el momento de salir a escena para la función de la noche», explica Palumbo a Terry Gross de Fresh Air. «Todos han de encontrarse en el pico de sus condiciones vocales hacia la medianoche, momento en el que finalizan las funciones de Meistersinger.» El Met representó Die Meistersinger von Nürnberg de Wagner el pasado mes de diciembre.
Donald Palumbo es el responsable de ensayar y dirigir a algunos de los mejores cantantes del mundo. Es reconocido mundialmente por su habilidad de saber para amalgamar las voces de los cantantes del coro.
«El trabajo de preparación de Meistersinger conlleva tener una gran cantidad de cantantes, 150, y conseguir que suenen como una sola voz», explica. «Naturalmente la gran dificultad de Meistersinger es, ¿dónde se colocan 150 personas sobre el escenario? Una parte importante de mi trabajo es conseguir que el coro pueda cantar sobre el escenario en circunstancias especiales: mucha distancia en el contacto directo con el director de orquesta y distancia entre el coro, la orquesta y el público. Se trata de encontrar la forma para que muchas personas actúen como una».
Donald Palumbo fue nombrado director del coro del Met en la temporada 2007-2008 y anteriormente, fue el responsable del coro de la Lyric Opera de Chicago. Además, fue el primer americano en ser titular del coro del Festival de Salzburgo.
Lo más sorprendente es que el maestro Palumbo no tiene ninguna educación reglada de conservatorio.
«Admito sin problemas que nunca he tenido mucha preparación formal más allá de clases de piano para las cuales tampoco ensayaba» dice el director. «Fui un pésimo estudiante de piano. Lo que sí hice fue acudir a cuántas más funciones pude y escuché muy atentamente. Después sacaba las partituras de la biblioteca, me sentaba y las seguía con mucha atención para poder absorber lo máximo posible».
SOBRE CÓMO LOS CANTANTES A MENUDO «MARCAN» EN LOS ENSAYOS PARA AHORRAR VOZ DE CARA LA FUNCIÓN
«Marcar» es un término que indica lo que se quiere hacer con la voz, aunque no se utiliza la misma ni con el volumen completo ni con la plena tensión corporal necesaria para llevar a cabo una función en condiciones normales. El peligro de marcar es que se tira hacía atrás en la energía mientras cantamos y hay que tener mucho cuidado porque esto puede conllevar cierta pereza y descuido. Es importante no arriesgar la precisión musical alcanzada con mucho esfuerzo en todos los ensayos. En todo caso, los cantantes han de marcar.
SOBRE CÓMO CANTAR VOCALES
Los solistas tienen mayores ventajas y flexibilidad a la hora de cantar, por ejemplo, «ah» y «ee». Estas vocales tienen una formación que presenta diferentes grados de intensidad y extensión lateral y vertical. Mi trabajo como director del coro es conseguir que cada cantante del coro tenga la misma vocal «ah» y que ésta se interprete de la misma forma por todos los componentes. Esto conlleva que la redondez y la altura de la vocal sea uniforme en todo el coro. Un solista puede escoger el grado de intensidad y modificarlo en cualquier momento de la función. Es más, si un solista se encuentra en dificultad en un determinado momento, puede hasta optar por modificar completamente la vocal. En el coro hemos de garantizar que todos seguimos en todo momento la misma idea y forma de todas y cada una de las vocales.
SOBRE EL CONTROL DE LA RESPIRACIÓN
Sostener una nota, liberar una nota, la inspiración y el ataque debería ser un procedimiento que no está sujeto a un sistema automático de apagado y encendido. La sensación debería ser la de algo que gira continuamente y no de algo parecido a «nota, parada, respiración entrecortada y otra vez nota». La ventaja de un coro es que se puede hacer algo llamado respiración escalonada. Esto significa que si tienes una frase muy larga y quieres estar seguro que llegas al final con la misma intensidad de apoyo que al principio, puedes pedir a la gente que interrumpan una sílaba o hacer algo llamado «catch breath». Este procedimiento permite que cada persona del coro pueda respirar en un lugar diferente. El efecto global es que la frase parece ejecutada sin que nadie haya tenido que interrumpir para respirar.
SOBRE QUIÉNES SON LOS ARTISTAS DEL CORO
Lo que está ocurriendo últimamente es que muchos de los artistas del coro son jóvenes solistas que han decidido renunciar a la vida de solista por todas las complicaciones que ésta supone. Están dispuestos, por las razones que cada uno estima oportuna, a olvidar los muchos viajes, la falta de seguridad económica, el estar lejos de sus seres queridos y otras muchas dificultades. Algunos dicen: «No llevo dentro todo lo realmente necesario para ser solista y luchar con la determinación requerida. Desearía, sin embargo, seguir la trayectoria profesional de músico y encontrar un entorno que me permitiera dar cabida a mi talento y tener una vida más estable.»
Es una profesión dónde alcanzar el éxito profesional es realmente difícil. El número de personas que se transforman en «estrellas» es una pequeña fracción con respecto a aquellos cantantes que consiguen vivir de su trabajo. Por lo tanto, ser artista del coro es un trabajo fantástico y que permite seguir sintiendo un enorme placer musical. Siempre insisto en que todos perciban la musicalidad cuando cantan en el coro, para que no se trate sólo de crear un sonido grande para llenar un teatro. No, nos aseguramos que tenemos una identidad musical propia y al mismo todos nos sentimos satisfechos con nuestra musicalidad individual.
SOBRE UN FALLO DEL TELÓN DURANTE UNA FUNCIÓN
Hubo una función de Meistersinger donde hicimos la transición desde la primera escena del tercer acto a la segunda escena. Debido a un problema con una pieza del decorado, el telón no pudo subir. El coro, que estaba en el escenario, empezó a cantar igualmente. El Maestro James Levine, que se encontraba en el foso, se percató de lo ocurrido pero siguió dirigiendo. Creo que podía escuchar al coro cantar detrás del telón…..
El problema se prolongó durante quizás un minuto y creo que el coro cantó toda la escena en esa misma posición. Cuando finalmente se solucionó el problema y subió el telón, el público empezó a aplaudir.
Estábamos perfectamente juntos con la orquesta hasta que se produjo el incidente y, de repente, nos dimos cuenta del efecto sonoro inesperado. Esto tuvo como consecuencia que se ocasionara un ligero desajuste entre orquesta y coro. Fue un momento de verdadero pánico.
SOBRE EL DESARROLLO DE LA CARRERA SIN FORMACIÓN ACADÉMICA REGLADA
He cantado en coros toda mi vida. Viví en Europa durante tres años y, durante ese tiempo, tuve la oportunidad de cantar en coros y trabajar con directores de orquesta como Herbert von Karajan y Karl Böhm. Todas esas experiencias como artista del coro las considero como verdaderas clases y aún las utilizo en mi labor profesional. Cuando volví a Estados Unidos empecé a acompañar en clases de canto, otra forma de aprender sin estudiar en un conservatorio. Desde entonces siempre que he tenido la oportunidad de hacer algo, por ejemplo tocar en los ensayos de una pequeña compañía de ópera o preparar un coro siempre he contestado, «Sí, me encantaría poder hacerlo.» De esta forma y muy lentamente he conseguido trabajar con compañías más importantes. Creo que he podido hacer uso de la experiencia frente a la formación en el conservatorio como herramienta para ser mejor músico.
Traducción de Vasco Fracanzani (Click para leer la original en inglés)
